Historia del Arte

31 términos de arte que debes saber para describir (tu) arte

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Un glosario de historia del arte para artistas

Cualquier artista visual sabe que no tiene que decir una palabra cuando se trata de describir su arte. Claro, deja que el arte hable por sí mismo. Pero no está de más tener un glosario de términos de arte que puedan aplicarse a cualquier obra de arte. Es por eso que hemos compilado un glosario de historia del arte de vocabulario imprescindible para usar al describir el arte. Te resultará útil cuando estés en el museo o viendo el último documental de arte, o describiendo tus propias pinturas y dibujos.

Abstracción

También conocido como arte no representativo o no objetivo. El apogeo de la abstracción fue a principios del siglo XX y los artistas que emplean la abstracción alejan las formas visuales del mundo "real" mediante la simplificación, estilización o destilación de formas. El lenguaje de abstracción es el lenguaje de color, textura, gesto, línea y escala, por nombrar algunos. Artistas como Jackson Pollock tipificaron el movimiento de arte expresionista abstracto.

Unsplash

Alla prima

Un término italiano traducido directamente como "en el primer intento" pero en el mundo del arte se conoce como una técnica de pintura al óleo en la que el artista pinta de una vez o de mojado en mojado. La técnica requiere que el artista trabaje rápido y con decisión antes de que la pintura superficial se seque. También se llama pintura directa y los resultados tienden a describirse como audaces, expresivos y pictóricos.

Alegoría

En la literatura, una alegoría es una metáfora extendida en la que las ideas abstractas, a menudo relacionadas con el significado moral o político, se transmiten a través del lenguaje y la narración de historias. En el arte, una alegoría se transmite a través de imágenes y esas imágenes adquieren un significado simbólico. Por ejemplo, Sandro BotticelliPrimavera es una pintura alegórica sobre la llegada de la primavera y el paso del tiempo. Curiosamente, muchos artistas, incluidos Jan Vermeer y Artemisia Gentileschi, han pintado alegorías de pintura, metáforas extendidas sobre la naturaleza, preocupaciones e influyentes de los artistas y su trabajo.

Apropiación

El acto de tomar, en este caso, trabaja por otro artista y ponerlos en un nuevo contexto. Por lo general, esto se hace sin el permiso de la persona de quien surgió la idea original. Resulta recontextualizar el trabajo "antiguo" y la creación de una obra de arte "nueva". Artistas y abogados discuten dónde se traza la línea de apropiación permisible, pero generalmente se desprecia la apropiación completa, mientras que citar o diferir una obra es aceptable en el mundo del arte y se remonta durante siglos.

Vanguardia

Un término francés que significa "guardia avanzada". Es un término que se puede aplicar a artistas y obras de arte, así como a los movimientos artísticos en general. Por lo general, es una frase sustituta para el arte que es experimental, inusual y con visión de futuro.

Pincelada

Si está mirando una pintura, es probable que esté mirando un objeto hecho con el uso de un pincel. Hay una variedad de técnicas de pincel que los artistas han usado y evolucionado a lo largo de los siglos para manipular y aplicar pintura, incluidos los golpes, el arrastre y el punteado, entre otros. También se refiere al tamaño, forma y textura de los trazos.

Claroscuro

Un término italiano que significa "claro-oscuro" y generalmente se aplica cuando hay un fuerte y dramático contraste de luz y oscuridad en una pintura o dibujo. Los artistas usan el claroscuro para crear una sensación convincente de volumen y dimensionalidad en su trabajo. La fotografía se puede describir con el término, pero originalmente se remonta a los renacimientos y las obras de Caravaggio, Rembrandt y Leonardo da Vinci.

Crucifixión de San Pedro por Caravaggio

Teoría del color

Los artistas durante siglos han organizado, reorganizado y establecido reglas sobre la percepción del color y la mezcla de colores. En la actualidad, a los estudiantes de arte se les enseña sobre la rueda de colores; colores primarios, secundarios y terciarios; y las relaciones de color o los efectos visuales de las combinaciones de colores.

Composición

El término se aplica ampliamente a cómo se organizan los elementos de una obra de arte. Ciertas estrategias para la composición han existido durante cientos de años, como el Golden Mean y la Rule of Thirds.

Contrapposto

Un término italiano que significa contrapeso y describe cuándo el peso de una figura humana se equilibra más en una pierna que en la otra, lo que resulta en hombros y brazos fuera del eje de las caderas y las piernas. La postura es más famosa en escultura y se remonta a la época clásica.

El contrapposto de bronce de Donatellos David se muestra claramente en estas tres vistas de la escultura.

Distorsión

En la pintura y el dibujo, la distorsión significa cambiar la apariencia visual de una figura u objeto: tirar, torcer, estirar y cambiar algo con fines expresivos.

Arte figurativo

Por lo general, este es un término aplicado principalmente a pinturas o esculturas. Específicamente, significa que el trabajo es representativo, en contraste con el arte abstracto.

Género

Un término con una historia de fondo confusa en las artes visuales. Históricamente significaba una pintura de una persona o personas en situaciones cotidianas que simplemente no estaban identificadas. Pero también abarca la pintura de bodegones, la pintura de animales y la pintura de paisajes y marinos.

Acristalamiento

Los primeros Maestros, como Rembrandt, aplicaron múltiples capas de pintura transparente para producir los tonos brillantes y oscuros que caracterizaron su trabajo, según el autor Michael Wilcox del libro de técnicas de pintura más vendido,Acristalamiento. Según Wilcox, las tinieblas llenas de color oculto. La gama de tonos ricos empleados por estos pintores anteriores le dio una profundidad e intensidad misteriosas a su trabajo, una riqueza y luminosidad que solo las técnicas de acristalamiento pueden proporcionar.

Impresionismo

El impresionismo fue el movimiento artístico del siglo XIX conocido por los artistas que producían pinturas de escenas cotidianas, pintadas con pinceladas pequeñas pero visibles, con énfasis en la representación precisa de la luz y su naturaleza cambiante.

Impresión, soleil levant de Claude Monet

Técnica mixta

Una obra de arte en la que se ha incorporado más de un medio o material se describe como técnica mixta. El ensamblaje y el collage son formas populares de arte de técnicas mixtas.

Motivo

Un motivo es un elemento, patrón o diseño en una obra de arte que a menudo se usa repetidamente. Un artista también puede usar un motivo una y otra vez en un cuerpo de trabajo e incluso a lo largo de su carrera.

Narrativa

En esencia, la narrativa es narración visual. En la pintura y el dibujo, las imágenes son estáticas, por lo que, con el tiempo, los artistas han ideado estrategias para enfrentar esa realidad, desde representar escenas individuales de una historia hasta escenas múltiples (en las que los personajes aparecen más de una vez) o una panorámica, en la que múltiples eventos tener lugar en una sola escena.

Perspectiva

Hay dos tipos principales de estrategias de perspectiva para hacer que las formas bidimensionales se vean tridimensionales.Perspectiva lineal Transmite la ilusión del espacio con líneas paralelas en retroceso que se encuentran en un punto de fuga.Perspectiva atmosférica aborda la distancia cambiando los tonos de color y el nivel de detalle empleado para pintar o dibujar un objeto.

Fotorrealismo

El género o movimiento artístico que abarca la pintura y el dibujo que reproducen imágenes de la manera más realista posible. Este es también el término para un grupo de artistas estadounidenses que pintaron de esa manera en las décadas de 1960 y 1970, incluido Chuck Close.

Plein air

El acto de pintar al aire libre en la ciudad o el paisaje en lugar de crear arte en un estudio. Es un término francés y más relevante para el trabajo de los artistas de la Escuela Barbizon, la Escuela del Río Hudson y los Impresionistas. Hoy en día, muchos artistas contemporáneos se identifican a sí mismos como pintores al aire libre, artistas que pintan principalmente o exclusivamente al aire libre.

Artistas dibujando en las montañas blancas por Winslow Homer

Proporción

La relación con el tamaño entre un elemento y otro o entre un elemento y un trabajo completo. Para hacer una obra de arte que sea más realista, se deben cumplir ciertos rangos de proporción y se han codificado, lo que significa que existen reglas (que se remontan a Durer) que un artista puede aprender. Jugar con o alterar proporciones permite a un artista desviarse del realismo hacia un territorio más expresivo.

Realismo

A menudo llamado naturalismo también. En términos generales, este es el intento de un artista visual de intentar representar personas, lugares y objetos de manera realista. Esto significa evitar la estilización y la artificialidad.

Escala

El tamaño de los objetos u objetos representados según se relacionan entre sí. El tamaño impacta el significado y la expresión. Los artistas usarán la escala para transmitir importancia o significado. Considere las miniaturas en contraste con los objetos de tamaño natural con respecto a los de tamaño natural.

Sfumato

Una técnica de pintura que describe la transición suave entre colores. losMona Lisa, posiblemente la pintura más famosa de todos los tiempos, es un ejemplo clave de sfumato, que se deriva de la palabra italiana para fumar. Leonardo da Vinci lo describió como: "sin líneas ni bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque". En inglés, ha llegado a significar bordes y líneas suavizados o borrosos cuando se aplica a obras de arte.

Simbolismo

Los símbolos pueden ser personales pero históricamente se refieren a referencias ampliamente aceptadas y entendidas. En la pintura o el dibujo, esto se aplica a referencias visuales, generalmente objetos que representan ideas o significados. Los símbolos pueden ser religiosos, políticos o culturales. Algunos artistas contemporáneos operan solo dentro de los límites de los símbolos que a menudo crean ellos mismos, sus propios lenguajes visuales, por así decirlo. Cuando una obra de arte trata sobre todo o principalmente de la conversación que tiene lugar entre símbolos, el resultado es una alegoría.

Textura

En la pintura, hay muchas formas en que la textura puede y ha sido manipulada. Artistas europeos históricos crearon pinturas con superficies vidriosas y sin textura. Los pintores modernos adoptaron la textura, ya sea permitiendo que la pintura se filtre en una superficie o se acumule sobre ella. Impasto es el proceso o la técnica de aplicar gruesa pintura a una superficie.

Tema

Una idea general que una obra de arte o cuerpo de trabajo transmite. Un artista puede transmitir un tema de muchas maneras: con simbolismo, con escala y proporción, con aspectos formales de su búsqueda, como el color, la línea y la textura.

Trompe l'oeil

¡La traición de las imágenes de verdad! Este es un término francés para "engañar al ojo" y se aplica a las técnicas de pintura empleadas para crear una ilusión óptica de la realidad, utilizando técnicas de perspectiva y dispositivos como romper el plano de la imagen, por lo que un objeto parece sobresalir de la superficie de una pintura.

La traición de las imágenes por René Magritte

Pintura de fondo

La técnica de pintura de crear una versión monocromática de una imagen y luego dejar que se seque. Luego, un artista usa capas transparentes y semitransparentes de pintura conocidas como esmaltes para continuar con la pintura, mientras permite que partes de la pintura inferior se asomen, aumentando la ilusión de profundidad que tiene una pintura.

Valor

La claridad u oscuridad de un color o tono. Muchos artistas argumentan que el valor es el aspecto más importante de una pintura realista, más importante que el color mismo.


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