Historia del Arte

10 cajones maestros (y lo que nos enseñan)

10 cajones maestros (y lo que nos enseñan)



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El mejor dibujante del mundo podría haber sido una aprendiz femenina de otro artista en la Francia rococó, o un dibujante del Renacimiento que se volvió invisible por el resplandor de un maestro reconocido de una ciudad-estado cercana más poderosa, o un instructor de arte modesto que trabaja actualmente. en Minnesota

Elegir los 10 mejores cajones de todos los tiempos es un juego de salón de dudoso valor. En cambio, decidimos contar la cantidad de veces que se hizo referencia o se reprodujo a figuras históricas en los primeros 10 números de Dibujo revista y mostrarlos con comentarios esclarecedores de un artista trabajador reflexivo y un representante de una de las instituciones de arte más respetadas del país.

Cada uno de los 10 artistas presentados aquí ofrece dibujos de exquisita belleza; pero, más importante para nuestros propósitos, cada uno ofrece ideas y lecciones que cualquier dibujante puede usar. Exploramos por qué el trabajo de estas personas es tan inspirador.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (1452-1519) fue la primera superestrella innegable del arte, y su genio es indiscutible. Pero Ephraim Rubenstein, un artista que enseña en la Art Students League de Nueva York, en Manhattan, mezcla su admiración por Leonardo con el punto de que incluso este gran renacimiento no surgió de un vacío.

"Leonardo recibió mucho de Andrea del Verrocchio, que era un maestro tremendo", dice Rubenstein. “Todos salen de una tradición; nadie viene de la nada. Leonardo aprendió los comienzos del sfumato de [su maestro], entre muchas otras cosas ”.

Nacido como hijo ilegítimo de un abogado en la ciudad toscana de Vinci, Italia, Leonardo fue científico, inventor, pionero en el estudio de la anatomía y pintor de las obras maestras. La última cena y Mona LisaEl prototípico hombre renacentista.

Rubenstein se refiere a sus líneas como "melifluo, delicado y elegante. No hace nada que no tenga las curvas más hermosas ". Pero sus cuadernos de bocetos son los que hacen de Leonardo un innovador.

"Fue uno de los primeros en hablar sobre sacar un cuaderno a la calle", explica Rubenstein. "Leonardo dijo que debes tener contacto directo con la vida y observar las acciones de los hombres".

Recursos:

  • Dibujante maestro Leonardo da Vinci, por Carmen C. Bambach (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Nueva York)
  • Leonardo da Vinci: Las pinturas y dibujos completos, por Frank Zollner y Johannes Nathan (Taschen, Colonia, Alemania)

Michelangelo Buonarotti

Su techo de la Capilla Sixtina es una de las hazañas más famosas de la historia del arte, pero los interesados ​​en los dibujos se centran en las más de 90 obras de tiza y tinta que Miguel Ángel (1475-1564) realizó en preparación para esta y otras comisiones.

Algunos artistas han establecido el paralelismo entre el trabajo de este maestro italiano y las fantásticas formas musculares en los cómics. Pero si algún aspirante a dibujante en los últimos 50 años se ha acercado a la ondulante anatomía humana en los cómics con admiración, ha llegado al trabajo de Miguel Ángel con asombro.

"Con su dominio de la pintura, la escultura y la arquitectura, ningún artista, con la posible excepción de Leonardo, tenía más talento técnico", dice Rhoda Eitel-Porter, directora del departamento de dibujos de la Biblioteca Morgan, en la ciudad de Nueva York. .

"Sus figuras siempre se están esforzando", observa Rubenstein. “Se esfuerzan por algo pero están obligados. Todos los músculos se tensan simultáneamente, lo que es anatómicamente imposible, pero profundamente poético. Miguel Ángel hizo un paisaje del cuerpo humano ".

La razón es lógica: Miguel Ángel fue escultor. La separación entre lo táctil y lo visual se desglosa; El artista ve y dibuja en tres dimensiones. "Michelangelo [entendió] que un músculo en particular tiene un carácter similar al de un eggl, y él [iría] después de esa forma con su tiza", dice Rubenstein, señalando que las marcas en sus dibujos se afinan cada vez más en áreas más terminadas de la forma en una manera que es paralela a las líneas del cincel en una escultura inacabada. El artista colocó tramas ásperas en algunos lugares, definiendo más cuidadosamente el rayado en otros, y el tono pulido en las áreas más terminadas.

El trabajo de Miguel Ángel está marcado por otros dos rasgos: su dedicación casi completa al desnudo masculino y la sensualidad omnipresente en su arte. Incluso las figuras femeninas en sus piezas estaban inspiradas en los hombres, e incluso sus cortinas eran sensuales.

"Podía decir todo lo que quería decir con el desnudo masculino", señala Rubenstein. “No se distrajo con nada más: ni paisajes, ni bodegones, ni desnudos femeninos. Con la excepción de su arquitectura, Miguel Ángel estaba centrado monolíticamente en el desnudo masculino, e incluso en sus edificios, se podían hacer paralelos con el cuerpo ".

Recursos:

  • Dibujos de Miguel Ángel: más cerca del maestro, por Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
  • Lecciones de Miguel Ángel, por Michael Burban (Watson-Guptill Publications, Nueva York, Nueva York)

Albrecht Dürer

Albrecht Dürer (1471-1528) es posiblemente el mejor grabador de la historia. Publicó más de 350 grabados y grabados en madera y completó al menos 35 pinturas al óleo, generando más de 1,000 dibujos preliminares y acuarelas en el proceso.

Durero creó una serie de grabados conocidos e icónicos, y el artista de Nuremberg es muy respetado e influyente entre los dibujantes. Su representación matizada de formas, no es tarea fácil con una herramienta de grabado rígida e implacable, es la razón por la que tantos dibujantes estudian y se maravillan de su trabajo.

"Su dibujo surge de la sensibilidad de un grabador", comenta Rubenstein. “No puede establecer el tono; él tiene que salir del cascarón. Y nadie se queda en forma con la crueldad de Durero ".

Era virtuoso, pero quizás no innovador. "Creo que recibió mucho de los italianos", dice Rubenstein, en referencia a la visita del artista a Venecia para ver a un amigo e investigar el arte y las ideas de la Italia renacentista. Pero su talento no fue solo en la ejecución de su técnica. Durero empacó mucho contenido en grabados como Caballero, muerte y demonio, Incluidas dos figuras fantasmagóricas que fascinan pero que no dominan el resto de la composición, pero el ojo capta fácilmente la idea principal cuando no se deleita con raíces y guijarros maravillosamente representados.

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"Respondes a la intensidad y densidad de la imagen", afirma Rubenstein. “Durero [describió] la extrañeza de los fenómenos naturales en gran detalle, pero [pudo] mantener la gran composición clara y fuerte con todo esto. Él [sabía] que incluso dentro de la nudosidad de los árboles, [tenía] que retroceder un poco para que el reloj de arena [pudiera] presentarse. Él [controló] tanto, es como un malabarista que tiene 30 bolas en el aire ".

Recursos:

  • Los grabados completos, grabados y puntos secos de Albrecht Dürer, por Albrecht Dürer (Dover Publications, Mineola, Nueva York, Nueva York)
  • Albrecht Dürer y su legado: la obra gráfica de un artista renacentista, por Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, Nueva Jersey)

Peter Paul Rubens

El estereotipo tiene artistas que viven un estilo de vida pobre y bohemio, pero Peter Paul Rubens (1577-1640) es evidencia de que algunos artistas logran un éxito inmenso. Según la mayoría de las cuentas, Rubens era un artista respetado, rico y feliz que también coleccionaba antigüedades, crió una gran familia y se aseguró uno o dos tratados de paz mientras se desempeñaba como diplomático de alto nivel. Era un hombre de acción ocupado, y el papel nunca se garabateaba frívolamente; casi todos sus dibujos eran estudios preliminares para comisiones más grandes.

Uno se maravilla aún más de las líneas hermosas y seguras de los dibujos de Rubens a la luz del conocimiento de que seguramente los consideraría documentos de trabajo, inadecuados para la exposición. Lo que lo hace especial es "su dominio de la técnica de tiza", según Eitel-Porter. "Necesitaba solo unos pocos golpes para evocar no solo la pose de la figura sino también su estado emocional".

De hecho, el pintor de la corte belga demostró una facilidad increíble en sus dibujos, con un toque de arrogancia. Su mano estaba segura. "Rubens usó marcas naturalmente robustas, seguras y gestos fluidos", dice Rubenstein, quien en particular admira los dibujos del artista hechos con tres colores de tiza. "La tiza roja es hermosa, pero tiene una limitación en su rango: a menudo desea usar tiza negra y tiza blanca para aumentarla aún más en cada extremo del rango de valores", explica Rubenstein. "Es como la diferencia entre un acorde y una nota: extender el alcance de la tiza roja".

Recursos:

  • Peter Paul Rubens: The Drawings, de Anne-Marie S. Logan (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Nueva York)
  • Peter Paul Rubens: Un toque de brillantez, por Mikhail Piotrovsky, (Prestel Publishing, Munich, Alemania)

Rembrandt van Rijn

"Era un heredero de Leonardo en el sentido de que siempre estaba dibujando de la naturaleza", dice Rubenstein en referencia a Rembrandt (1606-1669). "Sus gestos eran tan verdaderos y llenos de vida".

Si Rubens era el pintor del poder y la corte real, Rembrandt era el artista de la humanidad. Dotado de la misma habilidad con la línea, el pintor y dibujante holandés tenía la habilidad de dibujar muy rápidamente y de agregar con seguridad lavados simples que establecían eficientemente patrones de luz oscura.

El implacable medio de tinta no fue obstáculo para la búsqueda de Rembrandt de la acción del momento; la parte posterior de la túnica de su esposa barre convincentemente de la escalera en Mujer llevando a un niño escaleras abajo, por ejemplo. Las madres y los niños fueron de especial interés para el artista quizás, en parte, porque perdió a tres niños en su infancia; y la muerte de su esposa interrumpió un matrimonio feliz.

"La humanidad de sus dibujos ... no se siente tan penetrantemente en el trabajo de nadie más", comenta Rubenstein. “[Parecía] saber cómo se sentía [la madre], cómo se sentía [el niño], qué está pasando en la escena. Y él [tenía] una línea espontánea e increíble que podía mostrar la estructura de algo, y sin embargo [tenía] su propio sentido caligráfico ”.

Recursos:

  • El viaje de Rembrandt: pintor, dibujante, grabador, por Clifford S. Ackley (Publicaciones de MFA, Boston, Massachusetts)
  • Los dibujos de Rembrandt y su escuela, vol. Yo, por Jeroen Giltaij (Thames Hudson, Nueva York, Nueva York)
  • Dibujos de Rembrandt y su escuela, vol. II, por Jeroen Giltaij (Thames Hudson, Nueva York, Nueva York)

Charles Le Brun

Con un pie en las épocas clásica y barroca, Charles Le Brun (1619–1690) fue un artista que encontró el éxito temprano y tenía las habilidades políticas para seguir siendo una figura dominante en la corte francesa y la Academia hasta muy tarde en la vida.

Le Brun era estudiante de Vouet y amigo de Poussin, y sus composiciones se basaban en masas básicas y simples, como en el clasicismo. Y, sin embargo, sus figuras podrían erizar con la energía del arte barroco, como se muestra en la forma serpentina en Study para Mucius Scaevola antes de Porsenna.

Le Brun hizo más que nadie para establecer un estilo de arte francés homogéneo durante tres décadas en el siglo XVII. Logró esto a través de la política y la pintura: Le Brun fundó la Academia Francesa en Roma y, en la década de 1660, se asumió cualquier comisión importante para la toma.

Los dos dibujos que se muestran en esta sección ilustran hábilmente cómo el estilo de Le Brun cambió pragmáticamente con los tiempos, con éxito tanto artístico como material. “Una imagen muestra la concepción simple de todas las formas, muy equilibrada y planteada como un Rafael; y el otro muestra una figura luchando tanto ", se maravilla Rubenstein.

"Incluso sin la indicación del cadáver, que esta figura está levantando, sentimos cuánto esfuerzo tiene que hacer para sostener a este peso pesado". La garantía de Le Brun con instrumentos de dibujo era legendaria; Un mito afirmaba que este hijo de un escultor comenzó a dibujar en la cuna.

Recursos:

  • Charles Le Brun: primer pintor del rey Luis XIV, por Michel Gareau (Harry N. Abrams, Nueva York, Nueva York)
  • La expresión de las pasiones: el origen y la influencia de Charles Le Brun`s Conference sur l’expression générale et particulière, por Jennifer Montagu, (Yale University Press, New Haven, Connecticut)

Edgar Degas

La transformación para un dibujante de dibujar formas ajustadas y detalladas a líneas más flojas y más gestuales es común, pero estos ejemplos muestran que esta evolución en Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) es particularmente natural.

La belleza habita en ambas obras, incluso si un espectador típico no puede asociar ambas piezas con un artista. "Estaba tratando de precisar la figura en sus primeros dibujos", explica Rubenstein, "y en los dibujos posteriores, la estaba soltando".

La musa de Degas era la bailarina, y el movimiento y los movimientos de la danza exigían bocetos gestuales gratuitos. Rubenstein señala que incluso en bocetos rápidos, como Estudio de una bailarina en mallas, Degas muestra su genio para la composición: las rodillas casi tocan los bordes del papel y las formas negativas formadas por las extremidades del bailarín crean un diseño poderoso. La belleza de la composición espontánea revela los años de experiencia detrás de este estudio.

Recursos:

  • Degas y la danza, por Jill DeVonyar y Richard Kendall (Harry N. Abrams, Nueva York, Nueva York)
  • Edgar Degas: Vida y obra, por Denys Sutton (Rizzoli International Publications, Nueva York, Nueva York)

Vincent Van Gogh

Además de ser el artista hambriento prototípico, Vincent van Gogh (1853-1890) fue una partera para el nacimiento del arte abstracto, como lo demuestra su Vegetación salvaje. Como pintor, es conocido por su color vibrante y audaz, pero los riesgos que asumió con la composición son quizás igualmente responsables de su reputación. Para los cajones, van Gogh también es importante para su marca.

"Van Gogh desarrolló un vocabulario increíble con la pluma de caña", dice Rubenstein. “Él [inventó] un lenguaje, con todos estos diferentes tipos de marcas: puntos, guiones, rizos, líneas largas y líneas cortas. Pero debido a que [tenía] ese control, tenía [sentido]. Él [hizo] ritmos. La naturaleza no tiene estas marcas ".

Comparando Abedules a Vegetación salvaje muestra el crecimiento del artista holandés de lo representativo a lo casi completamente abstracto. La transición se ve en menor medida en el retrato. El zouave, en el que la mayoría de la cara se representa con una especie de puntillismo, mientras que las características específicas, como la nariz, se forman con líneas clásicas. "Es un lenguaje muy personal que se le ocurrió", comenta Rubenstein. "Pero las marcas en sí [son] fascinantes".

Recursos:

  • Vincent van Gogh: The Drawings, de Colta Ives (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Nueva York)
  • Van Gogh: Master Draftsman ,, por Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, Nueva York, Nueva York)

Egon Schiele

Nacido en Austria, Egon Schiele (1890-1918) era un dandy envuelto en ropa bohemia, un supuesto pornógrafo, un narcisista decidido y uno de los dibujantes más provocativos y singulares de la era moderna.

"En comparación con, digamos, Rembrandt, no hay mucho alcance", dice Rubenstein. “Pero siempre sabes si algo es un Schiele. ¿Como sucedió esto? Vale la pena pensar en eso ".

"Todas sus exageraciones son reflexivas", continúa Rubenstein. “Sus distorsiones están en el dinero: la muesca de una cadera, la hinchazón del haunch, una línea que claramente es isquiotibiales. Las distorsiones se basan en puntos de referencia anatómicos muy precisos. Eso es lo que los hace tan inquietantes. Eso y el hecho de que el esqueleto a menudo está muy presente ".

Schiele fue difamado por algunos de sus dibujos explícitos de chicas menores de edad, pero el rechazo de todo su arte erótico puede ser un error. Rubenstein señala que no todos pueden lograr lo erótico con éxito. El arte de Schiele desafía no solo su tema, sino también las posiciones de sus sujetos, las líneas errantes que vibran con la tensión y los colores bulliciosos que empleó.

"Mira el rojo al lado del verde que atraviesa la figura en Combatiente", Observa Rubenstein. "Habla de algo indescriptible".

Eitel-Porter está de acuerdo: "Su uso de colores no naturales y su aplicación gestual de pintura, con trazos visibles para enfatizar la expresión, distingue a Schiele".

Recursos:

  • Egon Schiele: The Complete Works, de Jane Kallir (Harry N. Abrams, Nueva York, Nueva York)
  • Egon Schiele: Dibujos y acuarelas, de Jane Kallir (Thames Hudson, Nueva York, Nueva York)

Käthe Kollwitz

Käthe Kollwitz (1867–1945) vio mucho sufrimiento y lo describió con una empatía raramente rivalizada. Su esposo era médico para los pobres en Berlín, lo que probablemente jugó un papel en sus simpatías socialistas.

La pérdida de su hijo en la Primera Guerra Mundial provocó una larga depresión. También perdió a un nieto en la Segunda Guerra Mundial. Como resultado, sus desgarradoras imágenes de madres llorando por bebés fallecidos tocan un acorde resonante.

"Y ella fue una gran dibujante", dice Rubenstein. “Kollwitz podría hacer mucho con formas simples. Por aquí puede haber unas pocas marcas tenues que significan cabello; y luego, bum, estás clavado en ese ojo con unas pocas líneas fuertes ".

Kollwitz fue principalmente una artista gráfica, limitando su trabajo en gran parte a las imágenes en blanco y negro. "Su estilo audaz y gráfico refleja el inmenso dolor humano y el sufrimiento de los menos privilegiados", comenta Eitel-Porter. "Esa es la base de su tema. El mundo que representa está velado en la sombra; rara vez se introducen toques de color ".

Echoes Rubenstein, “Con tanta simplicidad, con tanta economía de medios, comunicó una gran simpatía. Ella podría hacer una declaración humana increíble con solo madera quemada [carbón] en papel ”.

Recursos:

  • Catálogo de la obra gráfica completa de Käthe Kollwitz, de August Klipstein (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
  • Dibujos de Käthe Kollwitz, por Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, Nueva York, Nueva York)

* Contribuciones de artículos por Bob Bahr

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